Durante la apertura de la muestra, la directora general del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), Lidia Camacho, ponderó el arte Polke, a quien consideró un alquimista del arte.

«Sigmar Polke. Música de un origen desconocido» es una exposición relevante que forma parte de una serie de vinculaciones de amistad muy estrechas entre México y Alemania, las cuales se han visto sumamente fortalecidas con las actividades del Año Dual, comentó Camacho.

Acompañada por Sylvia Navarrete Bouzard, directora del MAM; Oliver Knoerich, director de Economía y Asuntos Globales de la Embajada de la República Federal de Alemania en México, y Rudolf de Baey, director general del Instituto Goethe México, la doctora Camacho aseveró que la exhibición dialoga plenamente con el recinto anfitrión.

“Me honra inaugurar esta muestra que va muy ad hoc con la propia existencia y origen del Museo de Arte Moderno” en su vocación vanguardista y contemporánea, agregó.

“Polke es un artista muy peculiar. Le llamaban el alquimista del arte, y sus técnicas, materiales, temáticas y afán de experimentación permitieron que su obra fuera muy representativa del arte posmoderno alemán y también muy importante entre todos sus colegas contemporáneos”, añadió.

Luego de destacar que es la primera vez que se exhibe obra de Polke en México, puso énfasis en que «estamos frente a una obra que se exhibe por primera vez en México, la de un artista que sin duda alguna ha sido una enorme inspiración para muchos creadores de nuestro país de los años 60, 70 y subsecuentes”, pero también en Latinoamérica y todo el mundo, concluyó.

Por su parte, la directora del MAM externó su beneplácito por iniciar el año con esta exposición que presenta al público mexicano la obra de un creador casi desconocido en el país, pero una gran influencia en el mundo a finales del siglo XX, “un artista que junto con otros de su generación marcaron un parteaguas en la historia del arte contemporáneo en el mundo”.

Recordó que la obra de Polke incluye piezas que tienen títulos un tanto absurdos que detonan el sentido/sinsentido de aquello que representan y les confiere un acento poético o anarquizante, otro elemento paradigmático del quehacer del artista alemán.

Su trabajo, siempre crítico y reflexivo, revela en esta muestra una visión irónica sobre nuestra percepción del mundo contemporáneo y ultramediatizado.

Christian Wild, vocero y consejero de Prensa de la Embajada alemana en México, y el titular del Instituto Goethe México, destacaron las actividades del Año Dual en una época en la que el panorama internacional llama a la construcción de puentes de entendimiento entre las naciones, y a crear mundos de paz y concordia a través de las artes.

«Sigmar Polke. Música de un origen desconocido», curada por el Institut für Auslandsbeziehungen, organizada por el Instituto Goethe y promovida por la Embajada de Alemania en México como parte del Año Dual Alemania-México, fue exhibida en el Museo Amparo de Puebla y tras su paso por el MAM, donde permanecerá hasta el 21 de mayo, viajará al Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca.

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La exposición experimenta el arte de México a partir del periodo posrevolucionario y hast la década de los años 80, a través de iconografías que muestran cómo se formó la identidad nacional, informó el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA).

Bajo la curaduría de Sofía Neri, la muestra plantea un relato visual no cronológico a través de cuatro núcleos temáticos. “Entornos (paisaje urbano y rural)” aborda imágenes de la geografía nacional. “Esbozos de la cotidianidad” ejemplifica cómo transcurrían las actividades habituales de personas comunes en su vida diaria.

“Sueños y vigilias” es sobre qué preocupaciones o ilusiones tanto individuales como sociales inquietaban a la colectividad, mientras “Alegorías del yo”, responde al cuestionamiento sobre quiénes fueron los protagonistas, como una representación metafórica que simboliza al individuo y a la patria.

En la exhibición se incluyen obras de 47 artistas, herederos de la academia influenciada por las vanguardias europeas del siglo XX, que según la historiografía del arte mexicano se agrupan en las vertientes de la Escuela Mexicana de Pintura y en las posteriores generaciones más ligadas a temáticas cosmopolitas.

Algunos de los artistas que figuran en la muestra son: Angelina Beloff, Francisco Goitia, Frida Kahlo, Rufino Tamayo, Gerardo Murillo (Dr. Atl), Juan O’Gorman, Diego Rivera, Tina Modotti, José Clemente Orozco, Agustín Lazo y Jorge González Camarena.

“La colección. Escenarios de identidad mexicana” estará abierta al público hasta febrero de 2018.
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Con la colaboración de Design Week México, “Don S. Shoemaker. Diseño artesanal e industrial” está integrada por 150 piezas, entre las que destacan 74 fotografías de época y préstamos de 40 diseñadores o estudios locales contemporáneos, informó el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) en un comunicado.

Además, la muestra incluye 12 pinturas de la colección de su nieto, Stanley Shoemaker, pues para la investigación y curaduría fueron consultados los archivos que resguarda la familia y se contó con piezas originales de su colección, muchas de ellas únicas.

La obra de Don S. Shoemaker es considerada fundamental en la historia del diseño mexicano moderno de la segunda mitad del siglo XX, a la altura de autores como Clara Porset, Óscar Hagerman, Michael van Beuren, Po Shun Leong, Arturo Pani o Eugenio Escudero.

Por lo anterior, “Don S. Shoemaker. Diseño artesanal e industrial” es un merecido homenaje a un hombre visionario, artista plástico de formación, héroe de la Segunda Guerra Mundial y diseñador autodidacta.

Don S. Shoemaker inició su carrera tras su llegada a México en 1947; fue fundador de la fábrica de productos de madera Señal S. A., en Morelia, Michoacán pero pronto dedicó sus esfuerzos a la concepción y fabricación de muebles y utensilios, y en menor medida a la talla de esculturas, así como a la pintura y el grabado. Entre sus piezas más icónicas se encuentra la silla sling, infaltable en la historia universal del diseño.

También creó una gran cantidad de muebles únicos o en ediciones de pequeño tiraje, caracterizados por su funcionalidad, sencillez y comodidad, pero sobre todo por su belleza y elegancia, a través del uso exclusivo de la piel y de cuatro especies de maderas locales: encino americano, cocolobo, cueramo y granadilla.

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En la Sala Gamboa del Museo de Arte Moderno, donde se presenta la muestra, el antropólogo Xabier Lizárraga, hijo del artista plástico vasco Gerardo Lizárraga, quien fue esposo de Remedios, recordó a la artista plástica como parte de su familia.

“Tanto mi hermana como yo, la llamábamos tía, porque aunque Remedios y mi padre se separaron y dejaron de vivir como pareja cuando estaban en Francia, la amistad perduró hasta la muerte de Remedios en 1963”, mencionó.

Relató que el día de la muerte de Remedios, él no estuvo presente, aunque casi siempre pasaba a saludarla cuando salía de la escuela. “Acostumbraba a bajarme antes, pues mi casa estaba cinco calles adelante de la de ella, pero ese día no pasé porque un día antes me dormí tarde por estudiar”.

Xabier Lizarraga destacó que Remedios fue un ser sumamente cariñoso, generoso con su hermana y con él, “nos dio a conocer muchas cosas del arte y de diversión, porque era una persona muy curiosa que le encantaba la ciencia ficción y la ciencia, así como las novelas negras”.

Apuntó que su relación con Remedios Varo (1908–1963) siempre fue de cariño, “iba constantemente a su casa y ella a la mía, mis padres posaron para ella”, señaló.

Apuntó que siempre fue una relación de aprendizaje, una relación familiar y de amistad “hasta que poco antes de que falleciera hubo una desavenencia entre mi madre y ella y no se volvieron a hablar”

En su oportunidad, Javier Oropeza, quien fue director de Asuntos Jurídicos del Instituto Nacional de Bellas Artes y encargado del litigio por parte del INBA para defender 39 obras de Remedios Varo, compartió los detalles de esta gestión.

“Ese litigio comenzó en 1988 o 1989 y tiene como consecuencia una acción por parte de Walter Gruen quien fue compañero sentimental de Remedios Varo, quien no pudo probar su concubinato con ella y por ello no podía reclamar la herencia”, comentó.

Para eso, intervino la Beneficencia Pública que por oficio en los juicios intestamentarios se convierte en heredera y albacea de los bienes de Remedios Varo. Walter Gruen y Alexandra Varsoviano dieron en comodato al Museo de Arte Moderno 28 obras en primera instancia y posteriormente la aumentaron a 38 piezas.

“Ellos pensaban que sería un blindaje porque preveían que algo iba a suceder con la sobrina Beatriz Varo y posteriormente sucedió lo que pasa en todos los juicios, al final se abrió un Registro Público que consta en la Ley Federal de Bienes Nacionales”, recordó.

Comentó que de acuerdo al contrato de donación, esos bienes (obras de arte) son dominio público de la Federación y se solicitó un registro, “nos dieron una constancia de que las obras de Remedios Varo eran propiedad de la Nación y que estaban inscritas ahí”.

El problema se resolvió en 2006 cuando se otorgó la protección de la Justicia Federal “y se nos reconoce el justo título y todo lo que veníamos argumentando”, concluyó.

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Más de un centenar de galerías presentan las obras así como los museos The Broad, Getty, Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA). Asimismo, del Museo de Arte Latinoamericano (MOLAA), Anaheim Muzeo y del Centro Cultural de Estudios Chicanos de la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA).

El show, que cuando inició hace 22 años convocó sólo a 11 galerías, este año ocupará todo un piso del enorme Centro de Convenciones en el centro de Los Ángeles y en donde se espera una asistencia de más de 70 mil personas.

“La presencia de artistas y arte latinoamericano es un reflejo de lo que es la ciudad de Los Ángeles”, declaró la curadora Marisa Caichiolo al mencionar que como ciudad de inmigrantes era importante dar ese reflejo.

“Estas obras como ‘Detrás del muro’ son un abanico artístico en el que destaca un toque político y social tratando de generar un diálogo que tenga que ver con lo que ocurre en la actualidad y las grandes preguntas sobre inmigración, los límites y las fronteras”, resaltó.

“El show creará un diálogo entre la cultura latinoamericana y la escena del arte internacional, que pretende construir nuevos puentes de comunicación, entendimiento y un sentido de cercanía entre las diferentes comunidades en Estados Unidos”, añadió.

“He sido curadora por los últimos cuatro años de este show y sin duda la presencia latinoamericana es la mejor en este año en donde se da una mirada más amplia de nuestra región”, enfatizó.

Compartió que la expansión de galerías e instituciones de arte “ha sido increíble y ha generado un interés y miradas diferentes del público que se está conectando cada día más”.

La muestra presenta obras que buscan reflejar el cambiante mundo de las tendencias del arte y la importancia de la herencia latina en Los Ángeles, insistió.

Hay una gran variedad de obras de artistas de Argentina, Brasil, Chile, Colombia, Cuba, Honduras, México y Venezuela, además de China y naciones europeas.
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Bazille viajó a París con solo 21 años, en 1862, para estudiar arte en el estudio de Charles Gleyre, donde conoció a Claude Monet, quien será su compañero de armas desde entonces. Ambos pintarán al aire libre y aprenderán en aquella época a reproducir la atmósfera luminosa de la naturaleza mediante una amplia paleta coloreada.

Los burgueses padres de Bazille -quienes finalmente reconocieron el talento de su hijo tras recibir en 1864 el cuadro «Desnudo acostado», inspirado en la Olympia de Manet- decidieron financiar el estudio en el que se instalaría un año más tarde Frédéric junto a Monet en Batignolles, en París, encima del de Delacroix.

«Bazille era un persona muy generosa, ayudaba a sus amigos, incluso compró a Monet ‘Mujeres en el jardín’ en un momento en que el pintor se encontraba con grandes dificultades económicas. ¿Qué hubiese sido del joven Monet si Bazille no le hubiese ayudado al inicio de su carrera?», dice el comisario de la exposición, Michel Hilaire.

Acogía en su casa-estudio a sus amigos, al ser el que menos problemas económicos tenía. Los miembros del llamado «grupo de Batignolles» se tomaban entre ellos como modelos y practicaban con los mismos elementos, como bien retrata el cuadro «Renoir pintando la garza» de Bazille, un bodegón que ambos pintarían y en el que este usaría colores más claros.

Su reconocimiento en la sociedad francesa empezó gracias a su participación en el Salón de París. Cada año presentaba sus obras, de las cuales los jueces siempre seleccionaban la más conservadora, como el bodegón «Los peces» frente a «La Joven del piano», o como «Pequeña italiana» en vez de «La toilette», obra de vanguardia.

Bazille, junto a sus compañeros, realizaron toda una revolución contra las instituciones artísticas, incluso hicieron una petición al Ministerio de Bellas Artes para conseguir otro salón en París, ya que el que había era muy rígido y conservador y no permitía a los jóvenes artistas crecer en el mundo del arte.

Su carrera profesional se reduce a seis años, de 1864 a 1870, en los que solo se centrará en su trabajo artístico, siendo una pieza importante en el florecimiento del impresionismo. En su composición hay nuevo encuadre, usa una paleta muy colorida y facciones caricaturescas, poniendo al mismo nivel el hombre y la naturaleza.

Este estilo se ve con la culminación de una de sus obras más características, «Retrato de familia», presentado en el Salon de París en 1868 y pintado en la finca de sus padres en Méric, en Montpellier. Su tierra natal es su rincón de reflexión e inspiración, allí pasa todos los veranos y profundiza en la técnica de la luz y el paisaje.

Asimismo en las nuevas corrientes de vanguardia del Segundo Imperio se percibe la influencia de los realistas españoles como Goya y Velázquez en el estilo de Manet y Courbet, quienes a su vez también contribuyeron en Bazille, Monet, Renoir, Degas y Cézanne.

Bazille, republicano comprometido, parte a la guerra franco-prusiana siguiendo la tradición familiar, donde fallecerá dejando sin acabar «Estudio de joven desnudo», que refleja su introspección, su melancolía y su ensoñación antes de la batalla.

«Si Bazille hubiese vivido más tendría la misma notoriedad que sus amigos Monet y Renoir. Él no tuvo tiempo de aportar muchas obras, en su corta carrera solo realizó 55 cuadros antes de morir con 29 años en la guerra. Imagínese si hubiese llegado a vivir hasta los 86 como Monet», observa Hilaire, también director del museo Fabre.

Después de este homenaje en Montepelier, su ciudad natal, la exposición «Fréderic Bazille, la juventud del impresionismo» será presentada en noviembre en el Museo de Orsay de París y a principios de 2017 en la Galería Nacional de Arte de Washington, para así sacar a la luz a un pintor que tanto hizo por el arte moderno.

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Integrada por 46 piezas, la muestra curada por Octavio Avendaño permite apreciar retratos figurativos, pinturas abstractas, así como los tapices: “La victoriosa” y “Las hormigas”, los cuales fueron realizados en los años 80.

También, esculturas en cerámica, como “Vespa” y “Dafne”; cartas ilustradas, bocetos de escenografía y vestuario, así como el documental “Juan Soriano”, que dirigió el cineasta Arturo Ripstein en 2001.

La obra de Juan Soriano es reconocida y admirada por los visitantes que acuden al recinto y se maravillan con las diferentes facetas del artista, señaló el documentalista Emilio Cárdenas Elorduy, quien fuera amigo del pintor y escultor mexicano.

Un elemento interesante de la muestra es la inclusión de citas y frases de amigos de Soriano como Octavio Paz (1914-1998) y Elena Poniatowska; “Juan Soriano es un meteoro en la pintura mexicana y se vuelve un pintor del color, intimista, con una imaginación excepcional que rompe con las tradiciones del arte mexicano hasta ese momento”, refirió Cárdenas.

El joven José Luis Contreras destacó los autorretratos y retratos de personajes como María Izquierdo (1905-1955), Rafael Solana (1915-1992), Isabela Corona (1913-1993), Pita Amor (1918-2000) y Elena Garro (1916-1998), con los que abre la muestra.

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