• Es «un cementerio de obras públicas», dijo

El presidente Andrés Manuel López Obrador ofreció acabar con el “cementerio de obras de la salud”, como hospitales, que heredó la pasada administración a su gobierno.

Por ello, concluirá la construcción de 200 centros de salud que sólo eran “fachada” o un “set” de película.

“No exagero, nos dejaron como 200 entre centros de salud y hospitales inconclusos. Un cementerio de obras de salud en todo el país”, dijo.

Además, ejemplificó que en Juárez, Chihuahua, se inauguró un nosocomio que sólo era una escenografía, un set de película y atrás del mismo había pura obra negra.

“Y se atrevieron a cortar el listón”, acusó.

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No sólo hospitales

Durante el diálogo con la comunidad y personal médico del Hospital Rural de Ocosingo, Chiapas, expuso que también se contará con una nómina en la que se transparentarán a través de redes sociales las percepciones que reciben los médicos del país, para que no haya lugar a ninguna duda.

El objetivo, dijo, es acabar con los “aviadores” y regularizar la situación de más de 80 mil trabajadores de la salud que laboran por honorarios o bien son eventuales.

“Vamos a regularizarlos, pero no va a ser de la noche a la mañana, pero sí durante mi gobierno. Se va a basificar a todos los trabajadores de la salud”, sostuvo.

Durante su intervención dio a conocer que se buscará ampliar y modernizar la carretera que va de Ocosingo a Palenque o de Ocosingo a San Cristóbal y que ello se hará mediante el convencimiento.

“Lo de la carretera está un poco complicado el asunto. Vamos a buscar la manera de modernizarla, de ampliarla, si no se nos irá pasando el tiempo”, indicó ante la oposición de un grupo de personas.

“Antes no protestaban porque se robaban el dinero (…) Nosotros no somos rateros, vayan a reclamarle a los que se robaban el dinero, no a nosotros”, expresó el jefe del Ejecutivo federal.

Recordó que en las obras del Aeropuerto de Santa Lucía, del Tren Maya, de la Refinería de Dos Bocas, Tabasco, y hasta del programa Sembrando Vida hay opositores y en algunos casos se han interpuesto hasta amparos.

En este marco, resaltó que en el caso de la carretera “no vamos a perjudicar a nadie y que no se confundan: No somos iguales. A mí me pueden llamar Peje pero no somos lagarto”.

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• Así se sabrá a qué cártel o a cuál corrupto se le decomisó el dinero

Una placa será la que revele a quién se le decomisó el dinero «chueco» con el cual el gobierno construyó alguna obra, señaló el presidente Andrés Manuel López Obrador.

El anuncio sobre este modo de «etiquetar» los proyectos públicos, lo realizó el mandatario desde Balancán, Tabasco.

Detalles

En aquella entidad, el presidente reiteró la creación del Instituto para Devolverle al Pueblo lo Robado, con el que se pretende que el gobierno entregue al pueblo de algún modo los recursos decomisados a corruptos y al crimen organizado.

«Se está por crear un instituto que querían los técnicos que se le pusiera un hombre muy físico: Instituto para Entregar los Fondos Confiscados Mediante el Proceso de Extinción de Dominio. ¿Entendieron? Claro que no. ¿Saben cómo le puse? Instituto para Devolverle al Pueblo lo Robado», explicó.

Además, detalló que, en el caso de la placa, ésta tendrá el o los nombres del  cárteles o servidores públicos corruptos a los que se les haya decomisado el recurso para la construcción de las obras.

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«Ahora todo lo que se confisque, ya sea a la delincuencia común o a la de cuello blanco, los corruptos, todo se le va a devolver a la gente», dijo.

Incluso señaló que el municipio más pobre del país recibirá lo que se venda de los carros de lujo que se subasten en Los Pinos.

Y dijo que la «segunda venta», que será de residencias, se destinará al camino Cuatro Poblados-Arroyo-El Triunfo-Balancán.

«Y allí se le va a poner su plaquita: ‘Esto se obtuvo del cártel fulano mengano, esto se obtuvo de lo que se le confiscó al político corrupto fulano de tal», declaró.

Lo anterior lo declaró justo al dar bandera de salida al programa Sembrando Vida, en aquella entidad.

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El presidente Andrés Manuel López Obrador anunció cuatro nuevas universidades públicas en Jalisco y refrendó su compromiso de que en diciembre se terminará el Tren de Guadalajara.

Lo anterior, en el marco de la entrega de apoyos integrales de Bienestar en esta entidad.

El mandatario informó que se destinarán tres mil 500 millones de pesos más para terminar la obra lo más pronto posible, por lo que concluirla costará cuatro mil 500 millones de pesos este año.

Ante un nutrido número de personas que se dio cita en la Plaza de la República, donde echaban porras al gobernador Enrique Alfaro, pidió al secretario de Comunicaciones y Transportes, Javier Jiménez Espriú, viajar constantemente a la entidad para que supervise los avances de la obra.

Recordó que los gobiernos anteriores abrían muchos frentes y dejaron un «tiradero» de obras inconclusas por todo el país: trenes, hospitales, presas; es decir, construcciones de todo tipo.

Por ello, las van a terminar.

Más apoyos

Acompañado por la secretaria de Bienestar, María Luisa Albores, enlistó los programas para adultos mayores, personas con discapacidad, apoyo al campo, a pequeños comerciantes con tandas para el bienestar, así como becas para estudiantes y Jóvenes Construyendo el Futuro.

A su llegada López Obrador fue recibido por la gente que se encontraba desde temprano esperándolo para entregarle sus peticiones.

Además, el presidente recibió una figura con su imagen en arte plástico de los charros de Jalisco y una pintura.

Imagen: @Notimex

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Cuando Georges Keller empezó a donar cuadros de maestros como Henri Matisse o Salvador Dalí al Kunstmuseum de Berna, en Suiza, nadie ponía en duda su reputación.

Este ciudadano franco-suizo-brasileño era un marchand de arte respetado que donó 116 obras al museo entre los años 1950 y 1981.

Pero, hace unos meses, el responsable del Kunstmuseum encargado de verificar la procedencia de las obras de arte dio con un documento que relaciona a Keller con Etienne Bignou, un francés considerado como un marchand de arte «escandaloso» que comerció con los alemanas durante la ocupación de París.

No es la primera vez que el nombre del museo de Berna acaba asociado a obras de arte que habrían sido incautadas por los nazis.

El Kuntsmuseum heredó cientos de obras legadas por Cornelius Gurlitt, fallecido en 2014, cuyo padre, Hilderbrand, vendió a cuenta de los nazis obras de arte robadas a judíos o confiscadas por «decadencia».

El caso causó un gran revuelo y todavía se está investigando para tratar de encontrar a los propietarios legítimos del patrimonio Gurlitt.

Asimismo, reabrió el debate sobre la neutralidad de Suiza durante la Segunda Guerra Mundial.

«Veo claramente un antes y un después del caso Gurlitt», afirmó a la AFP la directora del museo, Nina Zimmer.

«La atmósfera ha cambiado, el tono ha cambiado, las preguntas han cambiado y creo que todo el mundo está de acuerdo en reconocer que una de las tareas del museo es intentar saber de dónde provienen las colecciones y aportar respuestas», añadió.

¿Quién era Georges Keller?

Keller y Bignou trabajaban en París en la galería Georges Petit, especializada en los pintores impresionistas, hasta su cierre, en 1933, según los archivos de la Frick Collection Reference Library.

Etienne Bignou abrió después su propia galería en la capital francesa, asociado con Keller.

Este último abrió luego la sucursal de la Galería Bignou en Nueva York, según los archivos.

Según Amelie Ebbinghaus, investigadora en el banco de datos Art Loss Register, hay documentos del Estado francés y de las Potencias Aliadas que reflejan que Bignou negociaba con compradores alemanes en París y que en aquella época se le consideraba un «colaboracionista» de los nazis.

«Eso, por supuesto, no quiere decir que las obras provinieran de fuentes dudosas, pero no podemos descartarlo», consideró.

Zimmer reconoció que ella ya tenía dudas sobre Keller antes de que salieran a la luz las revelaciones sobre Bignou, pues ninguna de sus donaciones a varios museos suizos iba acompañada de documentación.

«Siempre me ha dado curiosidad», admitió. «No tenemos prácticamente ninguna prueba sobre la procedencia de esas obras hasta el momento en el que él nos las dona».

Desde que se confirmó el vínculo entre Keller y Bignou, se hizo evidente «inmediatamente que debíamos saber más sobre esas obras», añadió.

Cambio de actitud

El museo de Berna solicitó financiación pública para llevar a cabo una investigación en profundidad sobre la herencia de Georges Keller, algo a lo que el Gobierno suizo accedió, lo que denota un cambio de actitud en un país antaño ambiguo respecto a las obras saquedas por los nazis.

«Suiza tenía por posición que era un país neutral, libre, y que cualquier actividad comercial entre 1933 y 1945 en su territorio no tenía nada que ver con los nazis», explicó Ebbinghaus.

Pero otros países no comparten ese punto de vista sobre el papel exacto que tuvo Suiza en el comercio de obras de arte en esa época, en particular cuando los judíos, desesperados por abandonar el Tercer Reich, vendían sus tesoros por unas cuantas migajas, recordó.

Identificar al propietario de una obra robada, o encontrar a sus herederos, es muy complicado, como lo ilustra el diferendo que opone a una estadounidense, descendiente de víctimas del Holocausto, al museo austríaco de Belvedere por unos cuadros de Gustav Klimt, que incluso dio lugar a la película de 2015 «La dama de oro».

Zimmer admitió que en Suiza faltan investigadores cualificados sobre la procedencia de las obras de arte y de los fondos.

Pero también lamentó que el acceso a los archivos privados amenace el desarrollo de las investigaciones.

«A veces avanzas a grandes pasos y descubres que el próximo documento que necesitas duerme en los archivos de una familia. Así que tienes que convencerlos para que te los enseñe», una tarea que requiere de verdaderas «acrobacias», explicó.

Información e imagen: AFP

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La exhibición de casi 70 artistas abarca pintura, escultura, video, instalación y trabajos conceptuales, la mayoría posteriores a 2012, y es un vertiginoso montaje de las diferentes culturas dentro de las fronteras rusas.

Las obras de artistas de Siberia, el Lejano Oriente de Rusia y Chechenia están junto a las provenientes de Moscú, con sus obvias diferencias.

Y esa es exactamente la intención, dijo Dasha Zhukova, quien junto con su esposo, el empresario Roman Abramovich, fundaron Garage en 2008. La pareja se roza con artistas y la élite cultural de Rusia en la elegante y moderna galería en Gorky Park.

Aunque Abramovich posiblemente siga siendo cercano al Kremlin —que mantiene un cuidadoso control de la cultura rusa— Zhukova no cree que haya una «visión singular» y dice que con «Trienal» quiere ofrecer una plataforma para que diferentes voces «estén o no de acuerdo».

Entre los 68 artistas que exhibirán sus trabajos hasta el 14 de mayo, hay algunos que exponen por primera vez en Moscú, mientras que otros son estrellas en ascenso a escala global.

Entre esos artistas están Irina Korina, quien ha exhibido en Nueva York, Londres y otras ciudades de Europa, Taus Makhacheva, de Dagestán, el checheno Aslan Gaimov y Svetlana Shuvaeva, de Moscú.

Roxana Marcoci, curadora senior del Museo de Arte Moderno de Nueva York, dice que la muestra está llena de energía y nuevos hallazgos.

La exhibición hace un «mapa de Rusia hoy como lugar de múltiples culturas», dijo Marcoci. Posiblemente sea desarticulado, disparejo e incluso caótico, pero el arte debe ser perturbador, agregó.

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Autor de obras de teatro, relatos y novelas reconocidas como obras maestras de la literatura realista rusa del siglo XIX, entre ellas «El diario de un loco» (1835) y «Almas muertas», el escritor es recordado a 165 años de su muerte ocurrida el 4 de marzo de 1832.

Nikolái Vasílievich Gógol nació el 31 de marzo de 1809 en Mirgorod, provincia de Poltava en Rusia. En 1820 llegó a San Petersburgo donde ejerció como funcionario público y comenzó a moverse dentro de los círculos literarios de dicha ciudad.

En 1835 abandonó la Universidad y se dedicó a escribir una de sus obras más famosas “El diario de un loco”, un relato de la vida de Axenty Ivanovich Poprishchin, un funcionario de la burocracia ucraniana cuyas anotaciones en su diario íntimo muestra cómo en medio de la rutina de su labor y humillaciones de su vida, surgen en su mente ideas referenciales que progresivamente adoptan tintes delusivos.

Ese mismo año publicó “Mirgorod” y “Arabescos” y poco después fue obligado a dejar su país debido a la publicación de su obra “El inspector”, una sátira de la corrupción de la burocracia.

El escritor se trasladó a Roma donde comenzó su obra cumbre “Almas Muertas”, considerada la primera novela realista en la literatura rusa con la que Gógol alcanzó notable repercusión y le valió gran fama como narrador.

El protagonista de la historia es Chíchikov, quien tiene como plan comprar “almas muertas” para así poder pedir un crédito al Estado. Es el relato de sus andanzas de Gógol por la Rusia rural, en el que muestra su talento no sólo para la sátira, sino también para la descripción de inolvidables caracteres.

En 1842 publicó “El capote”, un relato corto acerca de un ocupado funcionario, víctima de la injusticia social.

De acuerdo con el sitio “www.buscabiografias.com” el autor realizó un viaje a Tierra Santa y a su regreso destruyó una gran cantidad de manuscritos inéditos, bajo la influencia de un sacerdote fanático, quien le convenció de que sus obras narrativas eran pecaminosas.

Nikolái Gógol falleció el 4 de marzo de 1852, en Moscú, al borde de la locura, pero dejó una extensa variedad de obras como “El Viy”,“Historias de San Petersburgo”, “La avenida Nevski”, “El retrato”, “La feria de Soróchintsy” entre otras.
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“Soy un seguidor de los grafiteros mexicanos y de América del Sur, más que de los de Europa”, dijo el artista al tiempo que comentó que tuvo oportunidad en sus pasadas visitas al país de conocer el arte de los creadores nacionales.

En entrevista afirmó que el grafiti en Francia empezó como vandalismo, ahora es más arte, más fresco, aunque para el público en general sigue siendo lo que inició en Europa.

“Lo que pasa en Europa y en Francia es que no hay paredes como para hacer grafiti o hacerlo grande, por lo que se usan chicas y eso se convierte en vandalismo, que es una de las cosas que pasa en el Viejo continente”, refirió Zago.

También dijo que en cuanto a la tecnología, las pinturas son las mismas, están más adaptadas para poder realizar algo más artístico y a nivel del arte callejero hay nuevas cosas que se están creando en ese rubro.

Puso como ejemplo unas piezas, que son unas etiquetas que se pegan en las paredes, las cuales están hechas de manera en que uno lo ve a través del teléfono inteligente toman vida, se mueven, y eso es un avance tecnológico.

Aclaró que a él no le gusta utilizar la palabra grafiti o Street art, porque son palabras complicadas, “lo que hago es pintura, ahora lo puedo hacer en una galería o puedo hacerlo en un papel y luego la transmito en la calle.

“Si tuviera que dar una definición del grafiti o Street art, es algo que se le da gratis al público, que así no se ve obligado a entrar a un museo o una galería para enfrentarse al arte, sino que lo tiene a la vista y de manera gratuita”, expresó el artista francés.

Dijo que es admirador de otros creadores como Banksy, “no solamente me inspira la gente que hace grafiti o Street art, sin embargo hay un artista que quiero mucho, aunque él no se considera un artista del grafito, pero sí lo es, es alguien que por lo menos tiene 70 años de edad y que no es de la generación de este arte, se trata de Ernest Pignon Ernest”.

“Es un gran artista plástico clásico, pero que ha ido a pegar cosas en las paredes en la calle, él escoge el lugar donde quiere pegarlo, es una gran referencia en el gran mundo del Street art, no en el Street art en sí, si no en el mundo. En Francia es reconocido como gran pintor nada más”, apuntó.

Sobre la muestra itinerante «Cuadernos de viaje – Carnets de Voyage Laos visto por Pablito Zago», que permanecerá solamente este sábado 24 de febrero para después presentarse en Mérida, del 4 al 6 de marzo; San Luis Potosí, del 7 al 10 de marzo y Xalapa del 12 al 15 de marzo, dijo que se trata de una bitácora de viaje.

“Ese cuaderno que hice tiene más o menos cinco que años, pero los hago desde hace 20 años, cuando voy a un país que me siento en condiciones para pintar, hago mi cuaderno. Esto nació porque mis amigos ya estaban cansados de ver transparencias cuando regresaba de mis viajes”, señaló.

Destacó que esos cuadernos eran una buena manera de platicarles sus viajes y que fuera atractivo para ellos; ahora su meta es encontrar a un editor que quiera difundirlos.

Las obras incluyen una mezcla de dibujo, fotografía, collage, escritura y este arte mestizo que es el compañero del cuadernista, chico o grande, aficionado, experto o talentoso pintor.

Del Street art a la música, pasando por la ilustración y el grafismo, Pablito Zago, originario de Avignon, Francia, viaja por el mundo como por las artes.
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Un discreto cartel anuncia la «Plazoleta Julio Cortázar» en el centro del Barrio de Palermo, un lugar rodeado de bares y restaurantes, epicentro de las agitadas noches porteñas en donde se halla ujna exposición permanente del escritor argentino que sus admiradores pueden seguir en Buenos Aires.

De día, la plaza es invadida por niños que van a jugar al sube y baja, la resbaladilla y el columpio, pero es evidente la ausencia de una Rayuela (“el avión”), el juego que convoca a avanzar hacia el cielo a puro salto.

También en Palermo, pero en la esquina de Medrano y Cabrera, se encuentra el Café Cortázar que invita menú literario y que permite leer obras del autor que están a disposición de los clientes.

Ahí sí, la Rayuela que identifica la obra de Cortázar está plasmada en una de las paredes, pero la exhibición es amplia e incluye fotografías, collages, dibujos, poemas y citas del escritor.

Este es el primer y hasta ahora el único bar temático de la obra de Cortázar y a tono con su espíritu lúdico, ofrece las ensaladas “Rayuela” (rúcula, champiñones, salmón ahumado, palta y queso crema) y “La Maga” (rúcula y espinaca, croutones, salmón, queso parmesano y nueces).

Otras especialidades de la casa son el “café Cortázar”, que incluye ron, crema y canela; el “café Julio”, con anís, crema y canela, y “Los premios”, al que se agrega una barra de chocolate.

Ya en pleno centro de Buenos Aires, en la esquina de Avenida de Mayo y Florida, se puede encontrar a un Cortázar maduro, de barba y bigote, sentado al lado de una ventana, con un puro en la mano y un café en su mesa.

Se trata de una escultura de tamaño natural instalada en el London City, uno de los cafés más tradicionales de Buenos Aires y en donde Cortázar solía escribir. El autor es «omnipresente», ya que su rostro y su historia rodean a los clientes a través de fotos, pósters y retratos colgados en las paredes.

Más delante de la calle Florida, exactamente en el número 165, aparece la Galería Güemes que Cortázar inmortalizó en su cuento “El otro cielo” al unirla mágicamente con una galería parisina.

Los fanáticos de Cortázar también pueden encontrarlo en el primer piso de la librería «El Ateneo» del microcentro, que rescató la muestra “Presencias” que se inauguró en 2004.

En las paredes asoman imágenes del niño Cortázar que en 2014 nació accidentalmente en Bruselas y que en los años 50 se fue a radicar a París, pero que siempre proclamó y defendió su argentinidad.

Su biografía está detalla desde su infancia en Buenos Aires hasta su pasión por el jazz, el cine, los gatos y el boxeo, sus mujeres y su muerte, ocurrida en 1984 en la capital francesa.
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La muestra, que se exhibe en el centro artístico hasta el próximo 28 de mayo, es la primera actividad del programa de 2017 dedicado a celebrar su 25 aniversario de apertura del Museo Thyssen-Bornemisza y que se completará con posteriores exposiciones.

En rueda de prensa, la baronesa Carmen Thyssen y el director del Museo de Bellas Artes y de la Galería Nacional de Hungría, László Baán, presentaron la muestra que combina grandes nombres del arte europeo y figuras destacadas de Hungría.

En compañía del director del Museo Thyssen, Guillermo Solana; la responsable de Pintura Antigua, Mar Borobia, y la embajadora de Hungría en España, Enikó Györi, destacaron que se abarcan las escuelas italiana, alemana, flamenca y española.

En las salas se hace un recorrido que va desde obras de Rafael, Leonardo da Vinci, Alberto Durero, Peter Paul Rubens, Lucas Cranach, hasta Edouard Manet, Claude Monet y artistas húngaros como Jakab Bogdány, Ján Kupecký y Ádám Mányoki.

La exposición incluye secciones como El Barroco en Flandes y Holanda con obras de Anton Van Dyck, Jacob Jordaens, Jacob Grimmer, o El Barroco en Italia y España con Francisco de Zurbarán, Diego de Velázquez, Bartolomé Murillo, Mateo Cerezo, Giuseppe Cesari o Bernardo Strozzi.

Según Baán, la exposición reúne muchas “joyas” del arte, algunas incluso muy apreciadas en el mercado, y que las 90 piezas que se presentan suman un valor que ascienden a los 500 millones de euros (533 millones de dólares).

La exposición será inaugurada mañana viernes por los reyes de España Felipe VI y Letizia, y el presidente de Hungría, János Áder.
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Su padre pertenecía a la nobleza rusa y su madre era bisnieta de Abram Gannibal, señalan sus biógrafos. El poeta formó parte del primer grupo de estudiantes del liceo imperial; fueron esos años los que forjaron su personalidad y dieron forma a los pensamientos políticos y literarios que marcaron su vida.

Según lo señala el portal “rusopedia.rt.com” Pushkin se graduó en el liceo en junio de 1817 y obtuvo un puesto en el Ministerio de Relaciones Exteriores. En esta época empezó su labor para introducir cambios en las letras.

La literatura rusa nacional como tal no existía en aquel momento ya que empleaba las regulaciones de versificación propias del alemán y usaba léxico del ruso antiguo y eslavo eclesiástico que ya no existía en la lengua hablada. En 1820 dio a conocer “Oda a la libertad”, obra que atrajo la atención de las autoridades y el joven poeta fue deportado al Cáucaso, aunque se le permitió mantener sus cargos oficiales, señala “epdlp.com”.

Ese mismo año publicó “Ruslan y Lyudmila”, un extenso poema romántico basado en el folclore de su tierra, que le situó como uno de los poetas más prometedores de Rusia.

La influencia de Lord Byron, junto con el amor a la libertad, fue una constante a lo largo de su obra inmediatamente posterior, como ponen de manifiesto sus poemas “El prisionero del Cáucaso” (1822), “La fuente de Bakhchisaray” (1822) y “Los cíngaros (1823-1824)”.

En 1823 comenzó a escribir “Eugene Onegin”, su obra más conocida, una historia de amor en la línea estilística de Byron situada en un entorno realista y contemporáneo, que ha sido considerada la primera de las grandes novelas en lengua rusa.

En esa época Pushkin se trasladó a vivir a Odessa y tuvo problemas con un superior suyo por iniciar una aventura amorosa con su esposa, debido a lo cual fue destituido y expulsado del cuerpo de funcionarios y se retiró a las propiedades de su madre, cerca de Pskov. A pesar de no sentirse a gusto en aquel lugar tan aislado, este fue un periodo muy productivo para el autor. Entre 1824 y 1825 escribió “Boris Godunov”, una tragedia histórica rusa que fue publicada seis años más tarde.

Un año después, el Zar Nicolás I, convencido por su enorme popularidad, lo perdonó y Pushkin siguió utilizando la historia de Rusia como trasfondo para dos extensos poemas “Poltava” (1828) y “Los jinetes de bronce” (1833), así como su novela sobre la rebelión de Pugachev, “La hija del capitán” (1836).

Escribió también relatos breves, el más conocido de ellos es “La reina de picas”, una joya narrativa, como señalan diversas reseñas sobre el ejemplar. Es la obra que mejor desarrolla el tema de la avaricia y en 1890 fue adaptada a la ópera por Tchaikovsky.

Aleksandr Pushkin, quien murió el 10 de febrero de 1837, a raíz de un duelo sostenido por defender el honor de su mujer, dejó a Rusia una herencia literaria de un valor incalculable.
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