* La pintura inspiró la creación del emoji de “persona que grita”, el 53º más empleado en el mundo

¡Hemos vivido engañados! La figura en la icónica obra de Edvard Munch, El Grito, en realidad no grita. El verdadero significado de esta pintura es peor…

El miércoles, el Museo Británico, declaró que, opuesto a lo que se cree, el personaje reacciona a un grito.

De acuerdo con el expertos del museo, Munch lo dejó claro en una anotación. La inscripción puede verse en una versión en blanco y negro de la pintura. Munch anotó:

“Sentí el gran grito en toda la naturaleza”

Giulia Bartrum, quien realiza la curaduría del Museo Británico, dice que esto demuestra que la figura reacciona a un grito. “Munch fue muy claro con esta inscripción”, explicó.

Agregó que la famosa figura reacciona a las fuerzas externas de la naturaleza. Incluso pueden verse trazadas en las montañas del fondo. 

Así, el personaje central del cuadro en realidad se tapa los oídos ante el grito de la naturaleza.

De acuerdo con Bartrum, lo que todavía está en discusión es si, para Munch, esas fuerzas eran reales o psicológicas.

Munch, un artista noruego, terminó la primera pintura en 1893. Sin embargo, realizaría diferentes versiones en los años siguientes.

Desde su creación, la imagen ha cambiado poco a poco de significado. Actualmente es común verla empleada como una representación de ansiedad.

Incluso, la pintura inspiró la creación del emoji de “persona que grita”, el 53º más empleado en el mundo.

Imagen: Wikimedia

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* El reconocido actor estadounidense Jim Carrey, quien también es reconocido por su talento en la pintura, ha enamorado a los internautas con su nueva obra en contra de la caza de elefantes

El actor y artista Jim Carrey ha publicado en sus redes sociales su más reciente obra, una pintura en donde muestra su postura al respecto de la caza de elefantes.

Acompañada del hashtag #teamelephant la obra presenta a un elefante enojado corneando con una pistola y con un cazador atravesado en cada colmillo.

La obra fue publicada luego de que un cazador ruso se volviera notica al matar a tiros a un elefante macho en una zona de conservación llamada Naivasha, Zimbabwe.

De acuerdo con la información de Africa Geographic, el elefante, que fue asesinado el 7 de marzo, llevaba una etiqueta de investigación.

Cacería legal

Cabe señalar que no está prohibido por ninguna ley cazar a animales que cuentan con dichas etiquetas, sin embargo se considera poco ético que los cazadores ataquen a dichos animales, aunque la mayoría de las veces aseguran no haberse dado cuenta.

Pese a la indignación en redes por la muerte del elefante, la cacería que organizó Martin Pieters, ex presidente de la Asociación de Cazadores y Guías Profesionales de Zimbabue, fue legal.

Pieters y su cliente ruso sin nombre salieron con dos rastreadores, un guardaparque y un representante del consejo local en la búsqueda.

Cuando fue publicada la foto de Martin Pieters con el elefante muerto, grupos de conservación animal y anti caza se pronunciaron al respecto, desatando todo un debate en redes.

Algunos grupos que se encuentran a favor de la caza lega han argumentado que esta práctica puede “proteger” a ciertas especies, ya que el dinero obtenido de los permisos de caza puede utilizarse para financiar proyectos de conservación.

Como sea los internautas apoyaron más a Jim Carrey en su forma de protesta en contra de tan detestable “deporte”.

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• Exposiciones de la pintora en París, Milán y Londres rompieron récord; Google la incluyó en su proyecto de arte
• Hoy se conmemoran 111 años del natalicio de la afamada pintora, quien siempre busco rescatar las raíces del arte popular mexicano

La pintora Frida Kahlo (1907-1954), tuvo una tortuosa existencia de la cual encontró en el arte una vía de sobrevivencia y expresión para sus dolorosos episodios biográficos marcados por un terrible accidente, los embarazos malogrados y la relación sentimental con Diego Rivera.

Este 2018

Fue maestra de la Escuela Nacional de Pintura y Escultura “La Esmeralda”, y afirmaba que, al contrario de los pintores surrealistas, ella no pintaba sus sueños, sino su realidad; su técnica estuvo influenciada por el retrato fotográfico que aprendió de su padre, Guillermo Kahlo.

Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón, por su nombre completo, nació el 6 de julio de 1907 en la Ciudad de México, en la casa de sus padres desde 1904 y que hoy se conoce como la Casa Azul; mismo lugar en el que falleció el 13 de julio de 1954, cuando el Instituto Nacional de Bellas Artes le preparaba una muestra retrospectiva como Homenaje Nacional.

Frida fue la tercera de cuatro hijas del matrimonio conformado por Wilhelm Kahlo, de ascendencia húngaro-alemana, y Matilde Calderón, originaria de Oaxaca. A los seis años, Frida enfermó de poliomielitis, lo cual ocasionó que su pierna derecha quedara más corta, lo cual fue motivo de burlas.

Pese a ello, fue una estudiante inquieta y tenaz que acudió a la Escuela Nacional Preparatoria, pero a los 18 años, el 17 de septiembre de 1925, tuvo un trágico accidente cuando el autobús en el que viajaba fue impactado por un tranvía, lo cual le cambió la vida.

El resultado fue fractura de varios huesos y lesiones en la espina dorsal, por lo que quedó inmovilizada durante varios meses, lo cual la motivó a pintar y comenzó a relacionarse con varios artistas, como la fotógrafa Tina Modotti y el entonces reconocido artista Diego Rivera, con quien se casó en 1929.

El matrimonio habitó en la Casa Azul y en el estudio de Diego, en San Ángel, también radicó en Cuernavaca y en varias ciudades de Estados Unidos como Detroit, San Francisco y Nueva York. Debido a las infidelidades del muralista, que desataron crisis emocionales en la artista, se divorcio? en 1939, pero un año después volvieron a contraer nupcias. Nunca logró tener un hijo, ya que sufrió tres abortos.

Frida Kahlo fue una artista con una intensa actividad, en lo político fue miembro del partido comunista y una fiel activista de izquierda, y junto con Diego Rivera, acondiciono? la Casa Azul para darle asilo por más de dos años a León Trotsky y a Natalia, su mujer.

Participo? en una marcha de protesta en contra del derrocamiento del guatemalteco Jacobo Árbenz, lo que le derivó en una embolia pulmonar. De 1950 a 1951 permaneció internada en el Hospital Inglés y en 1953, ante la amenaza de gangrena, se le amputo? la pierna derecha.

Entre sus autorretratos más famosos figuran: “Las dos Fridas”, “Viva la vida”, “Unos cuantos piquetitos”, “La columna rota” y “Diego en mi pensamiento”. Sus cuadros se encuentran en numerosas colecciones privadas de México, Estados Unidos y Europa; durante su vida, expuso, además de en su país de origen, en Nueva York y en París.

El arte y personalidad de la artista mexicana ha impactado al mundo entero, prueba de ello es la actual exposición “Frida Kahlo: Making Her Self Up” (Frida Kahlo: Inventándose a sí misma) en el museo Victoria & Albert (V&A) en Londres, la cual rompió récord de preventa con 20 mil boletos vendidos en línea las primeras dos semanas, y localidades agotadas en las primeras tres.

La muestra se abrió al público el 16 de junio y contiene los icónicos vestidos de Frida Kahlo, sus corsets y una pierna prostética, siendo la primera vez que estos objetos salen de México para exhibirse en otro país.

Son 200 las piezas que el Museo de Frida Kahlo compartió. Destaca en la última sala el vestido de Tehuana junto a fotografías tomadas por Nickolas Muray, con quien mantuvo una relación intermitente durante una década.

A la inauguración de la muestra acudió la actriz mexicana Salma Hayek vestida con un traje de Tehuana de gala, confeccionado en Oaxaca, ya que en 2002 fue quien protagonizó la película inspirada en la vida y obra de la pintora, dirigida por Julie Taymor, en la cual se muestra la relación que tuvo con Diego Rivera y su reputación política y sexual.

Este mismo éxito tuvo en Italia la muestra “Frida Kahlo. Oltre il mito” (Frida Kahlo Más allá del mito) del 1 de febrero al 3 de junio en el Museo de las Culturas de Milán (Mudec), la cual se convirtió en la más visitada en la historia de este recinto y la tercera más popular en esta ciudad. Estuvo dividida en cuatro secciones: “Mujer”, “Tierra”, “Política” y “Dolor”, que incluyeron 70 pinturas, 40 dibujos y 150 fotografías, cartas y demás objetos.

Entras ellos, 700 archivos de fotos, cartas y retratos, así como cinco recorridos virtuales con Street View y experiencias de realidad virtual, por lo que los seguidores de Frida Kahlo a nivel mundial puede acceder a piezas de arte y artefactos que no están disponibles al público, por tratarse de colecciones privadas, tal es el caso del cuadro “Vista de New York” y versiones de sus primeros trabajos. También se puede recorrer virtualmente el Museo Frida Kahlo en México.

La muestra “Frida Kahlo/Diego Rivera, El arte en fusión”, en el Museo de l’Orangerie de París, Francia, abrió al público del 8 de octubre de 2017 al 13 de enero de 2018, y con ello se anunció el récord de asistencia en las exposiciones de este inmueble desde su reapertura en 2006, al registrar 300 mil visitantes en 83 días de permanencia, más de tres mil 500 personas por día.

La exposición se conformó por 75 obras de los dos artistas, en el caso de Frida incluyó sus cuadros más reconocidos como “Columna rota”, además de dibujos y fotografías, incluso para el anuncio de la muestra se utilizó la imagen del “Autorretrato con traje de terciopelo”; a la par, se realizaron visitas teatralizadas, lecturas, proyección de documentales, conferencias, talleres y jornadas temáticas.

En mayo de este año, Google Arts & Cultura incluyó a Frida Kahlo en su proyecto, ya que en mayo habilitó “Las caras de Frida”, la mayor retrospectiva digital de la pintora dedicado a conmemorar su vida y obra, para lo cual colaboraron 33 instituciones culturales de todo el mundo y presenta más de 800 piezas.

Además, en marzo Apple Store lanzó FridaMoji, un paquete de 160 emojis que representan la imagen de Frida Kahlo, creados por el galerista y diseñador gráfico Sam Cantor, para conmemorar la vida y obra de la artista. El acuerdo se logró con autorización de la Corporación Frida Kahlo, quien posee los derechos.

Frida Kahlo también captó la atención de Mattel, quien en marzo anunció el lanzamiento de la Barbie especial de la pintora mexicana, como parte de la colección en la que se rinde homenaje a grandes mujeres. Porta ropa tradicional, un tocado especial y aretes inspirados en ella, aunque las facciones son diferentes.

Debido a que Frida no seguía los estándares de belleza femenina, apoyaba a la revolución comunista y rechazaba algunas prácticas de países capitalistas, esta Barbie causó polémica, incluso en México la venta de esta muñeca fue prohibida por un juez, quien reconoció a la familia de la pintora como única propietaria de los derechos de imagen; no obstante se puede adquirir en línea por hasta 155 dólares.

Frida Kahlo también ha sido guía para diseñadores como Missoni, Valentino, Hoschek y Khan, además, diversas marcas han lanzado colecciones en las que se incluye el retrato de la artista, además, su imagen ha sido caricaturizada en playeras, bolsos y diversos objetos actualmente muy populares en México.

Información: Notimex  Imagen: Flickr

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IMAGEN: AFP

La obra “Los Rivales” (1931) del muralista mexicano Diego Rivera, se convirtió en el cuadro latinoamericano más caro en una subasta con un precio que alcanzó los 9.76 millones de dólares.

La noche del miércoles se llevó a cabo una subasta más de colección Rockefeller en el Christie’s de Nueva York, el óleo sobre lienzo de Rivera superó la marca que ostentaba Frida Kahlo, cuya obra “Dos desnudos en el bosque” fue adquirida por 8 millones de dólares en 2016.

De acuerdo con el portal artnews, la pintura de medio formato (150 por 127 cm) del mexicano, salió a la luz con un precio inicial estimado de siete millones. Tras unos minutos de puja, fue adquirida por un postor telefónico.

Asimismo, Diego Rivera superó su propia marca, toda vez que su obra más cara era “Baile en Tehuantepec” (1928), adquirida por 3.08 millones de dólares en 1995.

“Los Rivales”, fue una obra encargada por Abby Aldrich Rockefeller. Rivera la terminó a bordo del barco Morro Castle en noviembre de 1931 mientras viajaba de México a Nueva York para su retrospectiva en el Museo de Arte Moderno, que se inauguró en diciembre.

Diez años más tarde, Abby se lo regaló a Peggy y su hijo David Rockefeller, quienes lo guardaron en Ringing Point, su hogar en Seal Harbor, Maine. Desde entonces rara vez se exhibió al público, añadió el medio especializado.
 
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Hay que destacar que esta muestra, no trata de evocar las eventuales influencias de las artes primitivas sobre el gran maestro español, sino más bien de constatar la atracción que tuvo Pablo Picasso, a lo largo de toda su vida, por las artes de África, de Oceanía, de las Américas y de Asia.

Por medio de documentos, objetos, cartas y fotografías provenientes de su colección privada Picasso Primitif, pretende mostrar “una visión comparativa de sus obras con aquellas de artistas no occidentales”.

Los artículos exhibidos incluyen el cuadro “Cabeza de mujer”, en el que la frente prominente, los dientes y agujeros en vez de mejillas recuerdan una máscara antropomorfa de Costa de Marfil, mientras que una máscara rayada con forma hexagonal de 1919 parece darle un giro moderno a esas piezas africanas tradicionales.

Esta exposición también le ofrece al público, la oportunidad de observar un auténtico dialogo entre las obras de Pablo Picasso y las creaciones de artistas no occidentales a través de tres temáticas: Archaïsme (Arcaísmo), Métamorphose (Metamorfosis) y Ça (Esto).

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También está considerado precursor del puntillismo francés, nació el 2 de diciembre de 1959, en París, Francia, en el seno de una familiar humilde, desde pequeño mostró sus habilidades artísticas y se apoyó en el escultor Lequien para realizar sus primeros trazos.

En su juventud ingresó a la Escuela de Bellas Artes, estudió en el talleer de Henri Lehrmann también recibió infuencia de la escuela clasicista de Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867), aunque Seurat admiraba realmente Egéne Delacroix (1798-1863).

Al finalizar sus estudios fue copartícipe en el Salón para Artistas Independientes, sala donde se exhibían los artistas aún desconocidos que la Academia Francesa no reconocía de “suficiente calidad” para su muestra oficial.

En 1884, Seurat conoció en esa sala al que se convertiría en su amigo entrañable Paul Signac (1863-1935) y poco tiempo después a Camille Pisarro (1830-1903). En esa época pintó “Baño de Asnieres”, cuadro que muestra a los hombres y los niños charlando a las orillas del Río Sena, con un París industrial al fondo.

De pronto, Seurat se convirtió en el referente principal de la técnica pictórica, pintores como Cross y Dubois-Pillet se inspiraron en las obras de este hombre, quien, movido por los efectos de la luz y la transformación de las formas, comenzó el puntillismo.

Según el sitio “arteespana.com”, Seurat se interesó por los tratados científicos que hablaban de conciliar el arte con la ciencia y se arriesgó a quitar las pinceladas y sustituirlas por pequeñas manchas ordenadas en cuatro colores de su paleta, azul, rojo, amarillo y verde.

El resultado de la técnica, dicen, era una variación de luces, contrastes y colores que daban como resultado unos nuevos; la técnica, aunque innovadora, fue ampliamente criticada en su época por pintores como Claude Monet (1840-1923) y Pierre-Auguste Renoir (1841-1919).

Apenas dos años después pintó la que fue la obra más representativa tanto del artista como de la técnica del puntillismo “Un domingo de verano en Grande Jatte”, en la cual se observa a una serie de personajes disfrutando de un día de descanso.

De acuerdo con “Biografiasyvidas.com”, realizó alrededor de 70 bocetos para poder capturar la esencia de su obra maestra.

Lamentablemente, Seurat no tuvo el reconocimiento que merecía, e incluso su colega Signac le dio la espalda cuando necesitó defender su técnica, únicamente Camille Pisarro practicó el novedoso estilo pictórico.

“Artepinturaygenios.com” recuerda que en 1886, Seurat presentó su obra “Tarde de domingo en la Isla Grande Jatte” en la octava y última exposición de pintores impresionistas y en la Segunda Sala de los Independientes de Bruselas, donde su obra fue un rotundo fracaso crítico y comercial.

Sin embargo, Seurat no renunció a su estilo y continuó su quehacer artístico con obras como “Puente de Courvevoie” (1887), “Clima Gris en Grande Jatte” (1888), “Joven empolvándose” (1890), y “El circo” de 1891, por mencionar algunas.

Tras su visita a Bruselas, Seurat comenzó una nueva obra llamada “Las modelos” en la que aplica de manera estricta los principios del puntillismo, reduciendo aún más los puntos de color, y posteriormente realiza “La parada del circo”, obra que recibió buena crítica.

Ell artista, empero, no vivió para ver los efectos que tuvo su obra en la pintura ni llegaría a ver el nacimiento del cubismo que fue grandemente influenciada por su técnica.

Seurat falleció el 29 de marzo de 1891, a consecuencia de una difteria que contrajo; tenía sólo 31 años. Sus restos fueron enterrados en el cementerio parisino Pére Lachaise, de su natal París.

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Un total de 340 objetos alusivos al Escudo Nacional, entre piezas arqueológicas, taxidermia, escultura, pintura, textiles, publicaciones periódicas y numismática, ya se exhiben a partir en el Museo Nacional de Antropología (MNA) de esta capital.

“La exposición habla de México y reconoce el origen de nuestras expresiones culturales y amplia riqueza cultural”, sostuvo Cristina García Cepeda, quien dejó claro que el Escudo Nacional, la Bandera y el Himno sintetizan lo que somos como país y acercarnos a su iconografía es conocer la historia y fortalece el sentido de pertenencia a esta diversa y rica nación.

“Somos el orgullo de una gran nación, somos una potencia cultural, con una gran biodiversidad, todos debemos de sentirnos orgullosos de ser mexicanos porque México es un gran país por su cultura, pero sobre todo por su gran riqueza: los mexicanos”, agregó.

El titular de la Secretaria de Medio Ambiente Federal, Rafael Pacchiano Alamán, comentó que la exhibición no solo repasa los acontecimientos históricos y mitológicos que definieron la conformación de nuestro emblema patria, además detiene su mirada en los elementos naturales que conforman su composición gráfica.

Aclaró que entre los emblemas patrios del mundo, el de México es el que incorpora la mayor diversidad de componentes biológicos y detalló que en el Escudo Nacional existen nueve elementos naturales: nopal, águila, serpiente, agua, tierra, caracoles, jade, encino y laurel.

Pacchiano Alamán destacó que en México vive el 10 por ciento de todas las especies del planeta y un gran número de ellas, es endémica, lo que califico de una gran responsabilidad poder preservar el patrimonio. La exposición “El Escudo Nacional. Flora, fauna y biodiversidad” busca que el público, nacional y extranjero, conozca a profundidad el emblema patrio cuyo diseño integra más elementos biodiversos que ninguno otro en el mundo.

La muestra se compone de 340 objetos: piezas arqueológicas, banderas militares, esculturas, pinturas alegóricas, publicaciones y numismática, entre otros, provenientes de diversos recintos del INAH, el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), museos estatales y colecciones privadas.

La curadora de la exhibición, Cora Falero Ruiz, destacó las cuatro águilas reales (Aquila chrysaetos) que podrán apreciarse; dos en osamentas recuperadas arqueológicamente y bajo resguardo del Museo del Templo Mayor, y un par de taxidermias enviadas desde Saltillo, Coahuila, por el Museo de las Aves de México.

También se exhiben los restos óseos de una serpiente de cascabel (Crotalus molossus nigrescens), hallados en la Zona Arqueológica de Cantona, en Puebla, y semillas prehispánicas de tuna, descubiertas por especialistas del INAH en áreas aledañas a la Ciudad de México.

La exposición se divide en ocho núcleos: en el primero se exhibe l Teocalli de la Guerra Sagrada, un monolito mexica del periodo Posclásico Tardío (1250-1521 d.C.), que alude al mito según el cual Huitzilopochtli extrajo en batalla el corazón de su sobrino Copil, para luego arrojarlo a un lago y hacer brotar el tunal sobre el cual se posaría un águila; señal que su pueblo reconocería para fundar México-Tenochtitlan.

El segundo, da cuenta del arraigo que el águila y la serpiente tuvieron en la población indígena durante el virreinato, al grado que su símbolo, tras un proceso de sincretismo con la religión católica, terminó imponiéndose a la heráldica dada por Carlos V a la capital novohispana en 1523.

En este apartado se detalla la suma de rasgos grecolatinos como el semicírculo de laurel y encino, retomados del escudo de la Real Academia de San Carlos.

Los cuatro núcleos siguientes repasan los cambios que presentó el escudo durante el convulso siglo XIX, desde las aves coronadas de Agustín de Iturbide y Maximiliano, hasta las estampas liberales de la época juarista.

Se habla también de las alegorías usadas por pintores, escultores y otros artistas para fortalecer el nacionalismo, y de la parafernalia (billetes, monedas, libros y otros objetos) que difundió la imagen entre la población.

El núcleo siete se centra en la recuperación que hacia el final del siglo XIX se hizo del pasado indígena de México, mientras que el último módulo refiere al papel que Venustiano Carranza tuvo en la definición del Escudo Nacional, al decretar, el 14 de abril de 1916, que sería un único modelo, creado por los artistas Jorge Enciso y Antonio Gómez, el que circularía en documentos oficiales, monedas y billetes.

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Pintura, mucho video, fotografías, tapices, telas de araña, dibujos, murales o esculturas con pelos imposibles, todo esto ser puede ver en la nueva sección de ARCO. Es una área que tiene como objetivo reflejar las diferentes maneras de concebir el arte entre creadores de diferentes generaciones, nacionalidades y estilos.

Diálogos está construida en torno a once galerías y en cada una de ellas se puede ver el trabajo de dos artistas con obras que, en algunos casos, están hechas expresamente para esta edición de ARCO, en la que Argentina es la invitada de honor.

«Hemos hecho una gran labor con las galerías, porque esta es una feria de galerías, pero se trata de galerías que han estado siempre muy implicadas con sus artistas. Y hay galerías mexicanas, de Berlín, Bruselas, México, San Paulo, Zúrich, Nueva York…», precisa la comisaria.

Una sección formada mediante miradas oblicuas y que confluyen en un mismo punto, como es el caso de la galería de Zúrich Peter Kilchmann, cuyo mural con las mujeres desaparecidas en Ciudad Juárez (México), de la artista Teresa Margolles, dialoga o se completa con los dibujos en la pared del argentino Jorge Macchi.

El visitante tiene que levantar una hoja o rasgar el velo para saber lo que hay debajo, que son la continuación en dibujos de la hoja que los tapa. Dos miradas, una más social y la otra más sutil o poética que intentan lo mismo: golpear y mover sensaciones y emociones al espectador.

Junto a esta galería, la impresionante escultura del arquitecto y «performancer» argentino Tomás Saraceno, en conversación con la joven, también argentina, Analia Saban. Ambos trabajan en Nueva York, en la galería Tanya Bonakdar.

Mientras uno de los pintores argentinos más importantes de los años 50 Julio Le Parc dialoga con el joven pintor panameño Eduardo Navarro en la galería Nara Roesler de Sao Paulo.

Con procedencia de trece países de América y Europa, la sección expone artistas emergentes con propuestas muy atractivas, que son también las más buscadas por los coleccionistas latinoamericanos, españoles y portugueses, como recordaba el director de ARCO, Carlos Urroz.

Entre ellas destaca la galería madrileña Alegría, con esculturas múltiples y pequeñas de madera en una alacena que recuerdan a Oteiza; pero también muchas instalaciones o proyecciones de cine como propone la artista Von Calhau, cuadros en vídeo o la obra de Mercedes Azpilicueta que reflexiona sobre la coreografía, el espacio y la intimidad de los cuerpos.
efe/r3

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Los juguetes ecológicos 100% hechos con material reciclado, cada vez se vuelven más comerciales y pedidos por el público, en nuestro país es nueva tendencia pero en Estados Unidos ya lleva tiempo. La mayoría de los mismos están hechos con el plástico de botellas y chapas.

La grabación se subió el pasado 22 de febrero a YouTube y ya cuenta con miles de reproducciones. El canal de YouTube ‘Refinery29’ realizó un video en el que muestran el proceso por el que pasan los juguetes hechos con material reciclado en EE.UU.

El material reciclado es llevado a otra empresa para poder empezar a crear los juguetes. Estos insumos son calentados y puestos en moldes de las piezas.

«Nada de pintura, metal, goma son usados en estos juguetes», indica el video de YouTube. Todo está unido a presión, y son transformados en carritos, aviones y barcos.

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La Galería Central del recinto capitalino alberga nueve reelaboraciones del artista italiano Emanuele Viscuso a las fotografías que el colombiano Leo Matiz (1917-1998) tomó a Kahlo en la década de 1940.

En entrevista con Notimex, Viscuso comentó que un encuentro casual en Milán con Leo Matiz permitió a ambos conocer sus respectivos trabajos y contarse en un reciproco intercambio, sensaciones y experiencias.

“Esta exposición es una pasión mía y de Leo Matiz, a quien tuve el honor de conocer. Son fotografías originales que él me pidió que interviniera, inventándome cualquier cosa”, manifestó.

Recordó su primer encuentro con Matiz a finales de 1980, “él vino a Milán y de pronto me puse a pensar en algo, pero él regresó a Colombia y cuando murió su hija me pidió terminar con la obra que había comenzado con su padre”.

El resultado fueron nueve obras principales, imágenes que salieron de manera espontánea sobre el tema de la pasión de Frida “en el sentido de que fue una artista pasionaria y como referencia porque ella sufrió mucho”, dijo Viscuso.

Las imágenes originales que se exhiben en el IIC están intervenidas a manera de dar a conocer el sufrimiento y dolor que padeció la pintora en vida tras el trágico accidente vial que tuvo a los 18 años de edad.

La obra que integra la muestra fue realizada en 2004 y es un homenaje tanto a Frida como a Leo.  “La exposición no solo conmemora el 110 aniversario luctuoso de Frida y el centenario del natalicio de Matiz, también mis 64 años de vida”, aseguró Emanuele Viscuso.

aegm.

Notimex

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